UNIDAD II: MÚSICA DEL PERIODO CLÁSICO
NOTAS SOBRE JOSEPH HAYDN
- Haydn nació en 1732 en Rohrau, un pequeño pueblo en la parte este de Austria cerca de la frontera con Hungría.
- El año de 1761 fue importante en la vida de Haydn ya que entró al servicio del príncipe Paul Anton Esterházy, jefe de una de las más ricas y poderosas familias de la nobleza húngara.
- Haydn pasó casi treinta años al servicio de la familia Esterházy bajo circunstancias ideales para su desarrollo como compositor.
PUNTOS DE VISTA DE LIBROS
SELECCIONADOS
I. FUENTES DEL ESTILO CLÁSICO [Grout],
SURGIMIENTO DEL ESTILO CLÁSICO [Ulrich-Pisk]
1. El empalme de periodos de diferente estilo nunca había
sido tan extenso como en la primera mitad del siglo 18. Alrededor de los
maestros del barroco tardío un nuevo estilo se desarrollaba.[1]
2. El estilo barroco cedió paso a los nuevos estilos sólo
de manera gradual, y lo antiguo y lo nuevo existieron al mismo tiempo. … sin
embargo para 1740 el cambio de estilo era ya muy notable.[2]
3. Al final del periodo barroco, marcado por la muerte de
Bach en 1750, no se tenía un sucesor de importancia de estilo barroco. Sin
embargo, tres décadas antes, un estilo había emergido desarrollándose de manera
paralela al barroco. Pero no fue hasta 1780 que se transformó en un estilo de
importancia mayor, el estilo Clásico, que está representado en su máxima
expresión en las obras de Haydn, Mozart y Beethoven. [Ulrich-Pisk, 312-13]
4. Dos estilos o maneras generales se pueden distinguir
dentro del así llamado periodo pre-Clásico que inició alrededor de 1720: el rococó y el expresivo. El primero fue cultivado en Francia, y el término
francés Style galant (estilo galante)
es con frecuencia usado como sinónimo de rococó. El estilo expresivo, que
surgió más tarde y que se asocia principalmente con los compositores alemanes,
es con frecuencia designado por la frase equivalente en alemán empfindsamer Stil (literalmente, estilo
sensitivo). [GROUT, 454]
5. Debido a que mucha de la música [nueva] fue compuesta
para el entretenimiento de la aristocracia y para el mundo a la moda en
general, el estilo en el que fue escrita llegó a conocerse en Francia como el
style galant. Una versión tardía de este estilo, transportada al norte de
Alemania y modificada allí en la dirección de una mayor expresividad, se le
conoció como el empfindsamer Stil. Pero el periodo en general [1720-80] es más
convenientemente conocido como el Rococó, ya que el término “estilo Rococó”
puede aplicarse a aquellas obras italianas y otras que no pertenecen al estilo
galante ni al empfindsamer Stil de Alemania del norte. [ULRICH-PISK, 320]
6. Para mediados del siglo dieciocho, ambos estilos son
completamente absorbidos en la música del periodo Clásico. [GROUT, 455]
7. En las obras de compositores asociados con la corte de
Federico el Grande en Berlín y Postdam, el estilo galante Francés fue
modificado para conformarse a las necesidades expresivas del temperamento
Alemán del norte. Esta versión ha llegado a conocerse como el empfindsamer Stil
[“estilo sensitivo”]. [ULRICH-PISK, 320]
C.P.E. Bach, Sinfonía en Si menor
8. El estilo expresivo [o estilo sensitivo] era algo propio de la clase media; era un estilo burgués. En lugar de ser muy ornamentado, en algunas ocasiones puede ser ostentosamente plano o simple. Es un estilo que domestica las afecciones del Barroco, y las convierte en sentimientos del alma individual. [GROUT, 455]
9. Ambos [estilos] pueden ser considerados como
consecuencias de la tendencia barroca de concentrar el mayor interés musical en
las dos voces de los extremos; pero en estos estilos más nuevos el bajo pierde
cualquier vestigio de liderazgo e independencia contrapuntística, y se
convierte simplemente en un apuntalamiento de la melodía, mientras que las voces
internas son solamente relleno armónico. [GROUT, 454]
10. En la nueva música de mediados del siglo 18, las voces
internas fueron elevadas al nivel de un verdadero acompañamiento…el resultado
final de las prácticas nuevas fue liberar al bajo de su vieja función de
proveer solamente un soporte armónico continuo. El bajo podía ya ser melódico y
mover hacia adelante el juego de motivos o ideas empezados en las voces
internas.
II. ESTILO CLÁSICO = PERIODO CLÁSICO
1. La música ideal de mediados y finales del siglo 18
podría describirse así: su lenguaje debía ser universal, no delimitado por
fronteras nacionales; debía ser noble así como entretenida; debía ser expresiva
dentro de los límites del decoro; debía ser “natural”, en el sentido de estar
libre de complicaciones técnicas innecesarias así como de poder gustar
inmediatamente a cualquier oyente sensible. La música que más plenamente
realizó estos ideales fue escrita en el periodo Clásico, aproximadamente entre
los años 1770 a 1800, y sus grandes maestros fueron Gluck, Haydn, Mozart y el
joven Beethoven.[3]
2. La música de verdad había crecido en importancia en la
cultura Europea desde los significantes cambios de estilo que marcaron la mitad
del siglo 18 y que llevaron desde la espiritualidad del Barroco, la cual brilló
por última vez como una espléndida puesta de sol a través de las obras de
Handel y Bach, a una nueva subjetividad en arte, que se había empezado a
evidenciar desde 1730. Aún cuando los brotes de pasión se mantuvieron
controlados por medio del pensamiento racional que marco esta época así como
por la sociedad “galante”, no se podía ocultar el hecho de que una nueva
conciencia del ser estaba surgiendo. [STEPHENSON,8]
Mozart, Sinfonía no. 40
USO DE ESTILOS y TÓPICOS EN EL PERIODO CLASICO (SIGLO
VXIII)
1.
De sus contactos con el servicio religioso, la poesía,
el drama, el entretenimiento, la danza, lo militar, la caza y la vida de las
clases bajas, la música temprana del siglo XVIII desarrolló una colección
importante de figuras características que formaron un rico legado para los
compositores clásicos. Algunas de estas figuras
estaban asociadas con varios sentimientos, mientras que otras tenían un
toque colorido…Estos tópicos pueden darse en forma de piezas completas y
acabadas (tipos), o como figuras y progresiones dentro de una pieza (o
estilos).[4]
TIPOS
2.
Danzas.
El protocolo y la formalidad de la vida del siglo 18 se reflejó en sus
danzas: el minueto, la sarabande, y la gavotte pertenecían al alto estilo, elegante y cortesano. El
bourrée y la gigue, agradables y con frecuencia vivaces, representaban el estilo medio, mientras que las
contradanzas y Landler eran del estilo
bajo, rústico y animadas. Las danzas, por su ritmo y cadencia,
representaban sentimientos, y los compositores clásicos las escribieron por
miles.
3.
Los ritmos de las danzas virtualmente saturan la
música clásica; por lo que, uno de los principales puntos de atención para el
estudiante, el oyente, y el intérprete es la identificación de patrones
específicos de danzas que puedan aportar pistas importantes sobre las cualidades
expresivas de una composición.
4.
Minuet
y tipos relacionados. La danza más popular en el periodo clásico fue el minuet. Originalmente estuvo asociado
con el elegante mundo de la corte y del salón. Ha sido descrito como noble,
encantador, animado, capaz de expresar una alegría moderada por razón de su
tempo ternario un tanto rápido. En música clásica, las composiciones tituladas minuet o menuetto cubren un rango muy amplio de expresión, desde lo
francamente humorístico hasta lo profundamente patético. El ejemplo 2-1
representa el estilo elegante de esta danza; 2-2a tiene un sabor popular
rústico; el ejemplo 2-2b expresa un carácter patético, mientras que el 2-2c,
aún cuando está nombrado como menuetto, ejemplifica la manera intensa y
precipitada de los scherzos tardíos de Beethoven.
5.
El minuet, como estilo, se usó en primeros
movimientos, movimientos lentos y finales como en el primer movimiento de la
Sinfonía no. 8, op. 93 (1812) de Beethoven.
Danzas
relacionadas al minuet incluían el passepied,
descrito por Jean le Rond d’Alembert en su Élémens
de musique (1766) como un minuet más rápido, y la sarabande, que el mismo autor caracteriza como un minuet lento.
Esta danza desapareció hacia el final del siglo 18, sin embargo su estilo
característico se retuvo. Su característica principal es el énfasis que tiene
en el segundo tiempo de su compás ternario. Con su tempo lento, esta pausa le
dio a la sarabande un carácter serio y deliberado que representaba el estilo
alto (ejemplo 2-4).
6.
Danzas populares en compás ternario con frecuencia se
disfrazan como minuets. Waltzes, Landler,
allemandes, Schleifer, y Swabian
allemandes tienen un tempo más rápido, un caracter más animado y cualidad
más simple que refleja los estilos medio y bajo.
7.
La
Polonesa. Danza en compás ternario, de carácter serio y
pausado de principios del siglo 18. Se caracteriza por una pausa momentánea
sobre una síncopa o sobre el último tiempo.
8.
Bourrée.
Esta danza animada y de compás binario, requiere ligereza en su
ejecución. Mientras que el término bourrée no aparece en la música clásica como
el título de un movimiento, su estilo se usó con frecuencia. Esta danza tiene
una breve anacrusa y una articulación después del tercer tiempo. Los ejemplos
2-7 y 2-8 ilustran su uso a principios y a finales del siglo.
9.
Contradanza.
Rousseau describe esta danza popular (1768): Las melodías de las contradanzas
son casi siempre en compás binario; deben de ser bien articuladas, brillantes,
y alegres, y al mismo tiempo deben ser sencillas; puesto que deben escucharse
muchas veces, serán intolerables si están demasiado adornadas. En cualquier
género, las cosas más simples son las que cansan menos.
El
efervescente estilo de la contradanza fue uno de los favoritos para los
movimientos finales. (ej. 2-10).
10. Otras danzas
importantes cuyo estilo continuó siendo material de composición durante el
periodo clásico incluyen a la gavotte,
la gigue, el siciliano, y la marcha.
La mayoría de las danzas del barroco desaparecieron eventualmente con la
excepción de unas cuantas tales como el minuet, la gavotte, el bourrée, y la
polonesa, y estas adquirieron un estilo más popular y simple.
ESTILOS
1. Música militar y música de caza. Este
tipo de música fue muy popular durante todo el siglo 18. Las casas de los
nobles o cortes tenían su propia guardia, la cual marchaba al ritmo de
fanfarreas de trompetas que a su vez eran acompañadas por tambores.
La
caza, por otro lado, era la diversión favorita de la nobleza. Las señales de
los cornos resonaban por todo el campo cuando se daba la caza del zorro.
Las
fanfarreas y las señales de caza fueron imitadas por cuerdas, instrumentos de
aliento y de teclado…la figura de corno podía ser transformada para adquirir
rasgos mas intensos o líricos; Beethoven la usa para representar el Lebewohl, la llamada final o la señal de
partida en su Sonata en mi bemol mayor, op. 81a (1808), “Los Adioses.” El mismo
carácter aparece en el segundo movimiento de la sonata en mi bemol mayor, K.
570 (1789) de Mozart. La tonalidad de mi bemol mayor era una favorita de los
instrumentos de metal; así la imitación de las señales de corno en estas dos
obras incluye el tono y la tonalidad así como la figura característica de este
instrumento. Ambos compositores regresan repetidamente a la figura inicial para
recordar la emoción de la nostalgia.
Haydn
también uso este estilo aunque con un carácter mas humorístico, en su sonata en
mi bemol mayor H. V. XVI, no. 52, donde hace que el piano imite un reloj
musical que a su vez imita la fanfarrea.
2. Estilo cantabile. Este término se
refiere a una música de vena lírica, en tempo moderato que tiene una línea
melódica con notas de valor relativamente lento y con una extensión de registro
mas bien estrecha. Presumiblemente, cualquiera de los ritmos de danza
familiares podían usarse. El ejemplo 2-20 está escrito como un bourrée.
3. Estilo brillante. Este estilo se
caracteriza por el uso de pasajes rápidos que demuestran un virtuosismo o
también un intenso sentimiento. Compositores Italianos del barroco –entre ellos
Alessandro Scarlatti, Arcangelo Corelli, y Antonio Vivaldi- codificaron el
estilo brillante por repeticiones sistemáticas y secuencias.
En el
ejemplo 2-21 el estilo brillante es presentado en cinco instrumentos en una
toma y daca preciso y estimulante.
Este estilo tiene
su manifestación más pura en las cadenzas de los conciertos para instrumento
solista.
4. Obertura francesa. Este estilo era
distintivo de cierta música ceremonial; se caracteriza por un tempo de marcha
lento y pesado así como por figuras rítmicas con puntillo.
Algunas
veces funcionó como pieza de entrada (o movimiento introductorio) en piezas
teatrales. Desde el barroco aparece en suites instrumentales u orquestales,
como por ejemplo en las overturas francesas de Bach. Las cuales llevan, siendo
suites, toman su nombre por el movimiento inicial. Este género tenía en un
principio un esquema ternario: con secciones lentas y pomposas alrededor de una
segunda parte caracterizada por un tempo rápido y estilo contrapuntístico.
Ya en
el periodo clásico este estilo aparece en algunas introducciones de sinfonías.
En este tipo de obras solo se retiene el estilo de las partes lentas de la
overtura.
5. Estilo estricto. En contraste con
el estilo galante, este estilo estaba asociado con la música de la iglesia. Se
le llama también estilo fugal o fugado se distingue por:
a)
Una conducta seria de la melodía, esto es, una melodía
que tiene pocas elaboraciones.
b)
Un apego
estricto al principal tema y a las figuras que se derivan de el.
c)
Frecuente uso de disonancias (suspensiones).
d)
El tema principal siempre está en alguna de las voces.
e)
La fuga es el principal producto de éste estilo.
6. Estilo aprendido. Está relacionado
de manera muy cercana con el estilo estricto. Significa estilo imitativo, fugal
o canónico. Se puede decir que este estilo es la forma en como sobrevive el
estilo contrapuntístico del periodo barroco. Aunque ahora se fusiona con otras
tendencias musicales.
7. Música Turca. Este estilo se
dio en el tiempo de la confrontación política y bélica que ocurrió en el siglo
XVIII entre los turcos y algunos países occidentales de Europa. Los turcos
tenían un colorido estilo militar que usaba varios instrumentos de percusión
tales como: tambores, triángulo, vientos y timbales. Los compositores clásicos
imitaron este estilo modificándolo para acomodarlo al gusto occidental.
Estos
son los estilos o tópicos más importantes, sin embargo existen muchos más. Por
mencionar algunos más está el estilo de sensibilidad, de fantasía, etc.[5]
FORMA SONATA
Es una forma extendida de doble
reprisa. También es el principal plan o esquema estructural de la música del
periodo clásico. Se puede decir que surge como consecuencia de muchas
tendencias de estilo.
Es la base estructural de la mayor
parte de los primeros movimientos, de oberturas, y muchos movimientos lentos y
finales. Erróneamente la mayoría de los analistas la han visto como una forma
tripartita. Sin embargo, los teóricos del período clásico entendían la forma
como un plan armónico con dos fases de acción, resultando en una forma
bipartita. Desde 1799, Kollmann resumía la forma en dos secciones:
I – V (III), X – I
A su vez estas se pueden subdividir
en cuatro partes:
1.
I – V
2. (V) Primera elaboración; una
modulación más natural.
3. (X) Segunda elaboración;
modulaciones mas bruscas.
4. (Regreso a I) elaboración final.
La mejor manera que un compositor
tenía para adquirir maestría en la forma larga o extensa de la sonata era, de
acuerdo a los teóricos clásicos mas importantes, desarrollar o perfeccionar la
habilidad en el manejo de las secciones mas pequeñas.
Este plan armónico conlleva una
periodicidad en la que cada parte se constituye como un super-periodo. La
dirección armónica de las secciones conduce a cadencias en dominante y en
tónica.
Cuando se toma el material temático
como el principal parámetro o medida se encuentra la lógica de plantearse la
forma sonata como un esquema tripartita. Así los dos temas contrastantes son
(1) expuestos, (2) desarrollados y (3)re-expuestos. Sin embargo el problema es
que muchas sonatas no se adhieren a este plan ya que puede haber sonatas con
tres o mas temas, o también con un solo tema (sonata monotemática).
Con respecto a como era visto el
material temático en el período clásico, Koch (1802) dice: “como en una oración
el tema especifica el contenido y contiene el material para el desarrollo de
otras ideas, así la música debe mantener un solo sentimiento a través de todas
las modificaciones posibles de una idea principal. Como un orador pasa a través
de figuras retóricas a ideas secundarias, contrastes, análisis, etc., así el
compositor debe de ser guiado en su elaboración de la idea principal,
trabajando las armonías, modulaciones, repeticiones, etc., manteniendo novedad
y aumentando el interés; de manera que los episodios e ideas accesorias no
alteren el sentimiento prevaleciente ni dañen la unidad del todo.”[1]
Esta descripción retiene en parte la
idea barroca de un afecto dominante.
Con respecto al trabajo temático en
sus obras se puede generalizar diciendo que Mozart hace uso de muchos temas. El
consigue una unidad a pesar de ello al contrastar el tema o idea principal
contra otro material para luego hacer reaparecer el tema principal. El
contraste melódico es muy importante pero sobre todo a la distancia corta, con
cambios rápidos de afecto y tópico entre figuras y motivos.
También se incorporaba el contraste a
larga distancia, por ejemplo entre temas de secciones en tónica y dominante, lo
cual producía que se estabilizaran las principales áreas armónicas. La
aparición de un tema contrastante por lo general ocurre cuando la dominante ya
ha sido establecida.
Pero el contraste melódico no siempre
ocurre, Haydn prefiere desarrollar mucho de su material melódico a partir de
una sola idea la cual es puesta en diferentes arreglos retóricos. También
típicamente usa el mismo tema para ambas áreas.
El plan bipartito es así el principal
control que un compositor tiene para la forma. Sin embargo, no provee la guía
para el trabajo mas detallado. Muchas sonatas son en parte compuestas por
parafraseo y parodia.
El contraste entre las secciones
brillante/vigoroso y amable/cantabile probablemente sea una continuación de la relación tutti-solo de
la música barroca. Pero este contraste a la distancia larga cristaliza solo
hasta el final del periodo clásico; va a ser esencial en el siglo XIX. Para la
música clásica (s. XVIII) el contraste local o a la distancia corta tiene mas
importancia.
[1] Grout, Donald Jay. A History of Western Music. New York:
W.W. Norton Company, 1980, p. 401.
[2] Grout, Donald Jay. Ibid., P.453
[3] Grout, Donald Jay. Ibid., P.453.
[4] Ratner, Leonard G. Classic Music. New York: Schirmer Books,
1980, p. 9.
[5] Ratner, Leonard G. Classic Music. New York: Schirmer Books,
1980, pp. 9-24.
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